Хореография, как уникальный и синтетический вид искусства

1. 1. Вступление
2. 2. Зарождение и значение танца в истории. Танцевальное искусство, как важный компонент театра Древней Греции  и жизни древних греков
3. 3. Средневековые танцы-отражение мрачного периода средневековья.  Придворные танцы их историческое значение.
4. 4. Народные и придворные танцы эпохи Возрождения. Возникновение Балета и его влияние на общественно-политическую жизнь. Художественное оформление балетов эпохи Медичи
5. 5. Танцевальноеискусство 17-18 веков. Людовик XIV и балет.                                                             Появлениебалетноймузыки и сюжетныхбалетов. ПридворныетанцынаассамблеяхприПетре 1. Танцовщики-реформаторыМарияКамарго и ОгюстВестрис. Ж.Ж.Новер и егореформы.
6. 6. Эпоха романтических балетов 19 века и ее представители. Балеты Артура Сен-Леона, и их историческое значение. Мариус Петипа  и Петр Ильич Чайковский-  создатели шедевров классического балета. Новые тенденции танцевального искусства конца 19 века
7. 7. Развитиетанцевального искусстваот начала20века до нашихдней.
8. 8. Вывод

1.Вступление

Хореография и танец имеют свою многовековую историю, описанную историками и театроведами на основании воспоминаний очевидцев и современников, изображений художников и многочисленных легенд о танце и танцевальном искусстве. Танцевальное искусство является уникальным, так как оноотражало и отражает  жизнь, нравы и обычаи людей через таинственный язык пластики и жестов. Уникальность хореографии заключается также и в том, что она объединяет в себе искусство танца, театра, музыки и изобразительного искусства, если мы говорим о танцевальном спектакле.

Предмет и объект исследования. Хореография как уникальный и синтетический вид искусства, тесно взаимодействующий с музыкойи изобразительным искусством.

Цель исследования.Определить  уникальность и значение танцевального искусства на каждом этапе исторического развития, а также проанализировать взаимосвязь хореографии с другими видами искусства.

Актуальность исследования.Искусство хореографиивызывает интерес и сейчас, в наше время.  Поэтому вопрос уникальности хореографии, ее значение в жизни людей и в истории, взаимосвязь с другими видами искусства не могут быть не актуальными.

Мое исследование раскрывает суть и значение танца, на протяжении огромного промежутка времени - от древнегреческого периода  и до наших дней. Танец сопровождал  пышные  торжества и праздники  Древней  Греции и Рима, средневековые балы и рыцарские турниры, роскошные театрализованные представления  времен правления французских королей,  и, наконец, превращается в отдельный и особенный вид  искусства - искусство хореографии.

Также во время исследования можно заметить, как важные исторические события влияли на танцевальное искусство, а танцевальное искусство влияло на моду, культуру, обычаи и даже политическую жизнь определенного периода в истории. Особенно это было заметно во времена правления Екатерины Медичи и короля Людовика 14.

 

1. 9. Зарождение и значение танца в истории. Танцевальное искусство, как важный компонент театра Древней Греции  и жизни древних греков

Корни танцевального искусства уходят в далекое прошлое и берут свое начало с эпохи первобытнообщинных  времен, когда танец и жесты  играли значительную роль в жизни древнего человека,  как способы коммуникативного общения до появления и развития  звуковой  речи.

Позже танец приобрел обрядовое значение- люди обращались к танцам во время свадебных и религиозных обрядов,военных ритуалов,обрядов смены времен  года, рождения детей или похорон. Танцыобъединяли народ, являлись не толькоспособом общения друг с другом и развлечением, но и средством выражения душевного состояния, мыслей и эмоций.Под влиянием смены исторических событий, в связи с приходом новых духовных и культурных ценностей и новой эстетики,постепенно значение танца и его основные функции видоизменяются.

Начнем наш экскурс в историю с изучения танца в Древней Греции. В чем же была уникальность танцевального искусства  Древней  Греции? И какое значение играл танец в жизни греков?

Известно,чтоДревние Греки оставили свой ощутимыйслед в историимировогоискусства и культуры. Мы знаем имена великих древнегреческих драматургов—Эсхила, Софокла, Еврипида, Аристофана. Мывосхищаемся величественными арками и колонами, кариатидами, статуями богов и героев античной Греции. Именно тогда,в те далекие времена, особое внимание уделяется красоте и  эстетике  человеческого тела, движений и поз, и , конечно,  танцу.

Танцы в Древней Греции разделялись на ритуальные (священные, обрядовые), общественно-бытовые, сценические и  военные. Так,сценические древнегреческие танцы были частью театрализованных выступлений.  Искусству же  военного танца обязаны были обучатьсявсегреческие юноши.

В Греции танцевали все, независимо от возраста и социального положения и  любили  праздники и развлечения, которые часто сопровождались театрализованными представлениями, песнями, танцами и игрой на музыкальных инструментах.

Праздник в честь бога Диониса или Великие Дионисии отмечали несколько раз в году в Афинах. Праздник длился несколько дней : украшали храм Диониса, устраивали большие шествия-процессии, пели песни-дифирамбы, устраивали театральные состязания авторов драмы, трагедии и комедии. Авторы-поэты были также режиссерами, балетмейстерами и даже, не редко,  актерами своих произведений.

 

 

 

Танец в святилище Диониса. Аттическая ваза V в. до н.э.

 

"Юноши тут и цветущие девы, желанные многим,
Пляшут, в хор круговидный любезно сплетяся руками.
Девы в одежды льняные и легкие, отроки в ризы
Светло одеты, и их чистотой, как елеем, сияют;
Тех - венки из цветов прелестные всех украшают;
Сих - золотые ножи, на ремнях чрез плечо серебристых.
Пляшут они, и ногами искусными то закружатся,
Столь же легко, как в стану колесо под рукою испытной,
Если скудельник его испытует, легко ли кружится;
То разовьются и пляшут рядами, одни за другими.

(Гомер "Илиада", перевод Н.И.Гнедича)

 

К театральным танцам древней Греции относятсяэммелия, кордак и сиккинида. Танец в составе трагедии (эммелия) был достаточно медленным и величественным, а жесты в нем (хирономия) - широкими, крупными. Кордак представлял собой вставные комические сцены, своего рода хореографические буффонады. Этот танец был достаточно непристойным, исполнялся в бурном темпе, с присядками, прыжками и «пятками в небе».Хор в комедии Аристофана "Осы" сопровождает этот буйный, разнузданный танец такими словами:

Кружись быстрей и быстрей!

Фринихова пляска!

Закиньте повыше ступню!

Пусть зрители ахнут: "ай, ай!",

Видя пятки в небе.

Кружись, кувыркайся и бей себя по брюху!

Выбрасывай ноги вперед, вертись волчком ...

 

Кордак. Роспись вазы, V в. до н. э.

 

Много общего имел с ним танец сатирической драмы — сиккинида (Sikinnis), ориентирующаяся на вкусы простых людей и зачастую представляющая собой пародию на многие стороны общественной жизни.

 

 

 

Танец двух сатиров. Роспись вазы, первая половина V в. до н. э.

 

Сложные танцы, с акробатическими элементами и трюками, исполняли профессиональные танцоры, акробаты, жонглеры. Сопровождались они игрой на музыкальных инструментах. Лукиан в своем трактате описывал: «А на Делосе даже обычные жертвоприношения не обходились без пляски, но сопровождались ею и совершались под музыку. Собранные в хоровод отроки под звуки флейты и кифары мерно выступали по кругу, а самую пляску исполняли избранные из их числа лучшие плясуны. Поэтому и песни, написанные для этих хороводов, носили название "плясовых припевов", и вся лирическая поэзия полна ими».

Раз в четыре года отмечался  и праздник в честь богини Афины — покровительницы города Афин — Большие Панафинеи. Праздник представлял собой факельное шествие к статуе Афины, подношение многочисленных и богатых даров любимой богине: одежды, произведений искусства, жертвенных животных, цветов, а также сопровождался  военными танцами. К самым ярким военным танцам  принадлежит Пирриха.

 

Пирриха, танец воинов

 

По одной из легенд, первой исполнительницей пиррического танца была Афина Паллада. Она танцевала его в честь победы над титанами. Другая легенда утверждает, что он изобретен царем Пирром. Большинство же исследователей склонны думать, что название  произошло от слова «пира» — «костер», вокруг которого  танцевал Ахилл при похоронах Патрокла. Для пиррического танца танцовщики надевали на себя костюмы воинов. В руках у них  были лук, щит, стрелы или другое оружие. Они скакали вперед, перепрыгивая с одной ноги на другую;затем производились разные военные движения и комбинации-  прямыми шеренгами нападали друг на друга, смыкались в общий круг, прыгали группами, становились на колени и пр.

Греческая свадьба также сопровождалась танцами, песнями и определенными ритуалами. Вот как у Гомера  описан свадебный процесс: «Там невест из чертогов, светильников ярких при блеске, Брачных песен при кликах, по стогнам градским провожают. Юноши хорами в плясках кружатся, меж них раздаются лир и свирелей веселые звуки; почтенные жены смотрят на них и дивуются, стоя на крыльцах воротных. Мать невесты зажигала от своего очага факел и шла за повозкой вместе с родственниками и гостями. Одни несли факелы для освещения дороги, другие - подарки, а также особого вида треножник, лутрофор и кальпиды для свадебных ритуалов, многие пели свадебные песни и танцевали под аккомпанемент аулосов и лир, возгласы, обращенные к Гименею, звучали на всем пути к дому жениха».

Танец в древней Греции был сложным, виртуозным, и безусловно эстетически развитым. Об этом свидетельствуют древнегреческиефрески и рисунки, на которых изображены ярко выраженные  движения и позы, подчеркивается красота линий человеческого тела и «выворотность» ног.

 

Роспись арибалла, Танцоры-прыгуны ,конец VI в. до н. э.

 

 

Танцовщицы и акробатки.  Работа мастера круга Полигнота, ок. 430 г. до н. э.

 

О высоком уровне развития древнегреческого танца свидетельствуют и рассуждения философов о танце. И это было неудивительно, ведь танец в Древней Греции был частью философских наук - его изучали в гимназиях, наряду с музыкой, философией и другими предметами. О связи танца и философии, написаны многочисленные трактаты древнегреческих философов - Платона, Плутарха, Ксенофонта, Лукиана и др. Философы не только интересовались искусством танца, но и любили танцевать сами.Ксенофонт писал: «Даже мудрый Сократ любил танец Мемфиды, и часто, когда его видели танцующим знакомые, он им говорил, что танец является упражнением для каждой части тела».

Красотудревнегреческоготанца, егозначение, историюразвития и взаимосвязь с музыкой, описываетЛукиан в своем трактате:  «Скажу о том, что пляска не только услаждает, но также приносит пользу зрителям, хорошо их воспитывает, многому научает. Пляска вносит лад и меру в душу смотрящего, изощряя взоры красивейшими зрелищами, увлекая слух прекраснейшими звуками и являя прекрасное единство душевной и телесной красоты. А если в союзе с музыкой и ритмом пляска всего этого достигает, то за это она заслуживает не порицания, а скорее хвалы…Пляска — это занятие не новое, не со вчерашнего и не с третьего дня начавшееся…Например, от времени наших пращуров или от их родителей,  - нет: люди, сообщающие наидостовернейшие сведения о родословной пляски, смогут сказать тебе, что одновременно с происхождением первых начал вселенной возникла и пляска, появившаяся на свет вместе с ним, древним Эросом. А именно: хоровод звезд, сплетенье блуждающих светил с неподвижными, их стройное содружество и мерный лад движений суть проявленья первородной пляски. После, мало-помалу, развиваясь непрерывно и совершенствуясь, пляска теперь, как кажется, достигла последних вершин и стала разнообразным и всегармоничным благом, сочетающим в себе дары многих Муз…Но, поскольку искусство танцора — подражательно, поскольку он обязуется движениями изобразить содержание песни, — танцор должен подобно ораторам упражняться, добиваясь наибольшей ясности, чтобы все, им изображаемое, было понятным, не требуя никакого толкователя».

В общем, танец и танцевальное искусство Древней Греции играли немаловажную роль в жизни греков. Наполняя и обогащая жизнь в духовном и эстетическом смысле, танец становится неотъемлемой частью религиозных праздников и обрядов,  свадебных церемоний и военных ритуалов, а также частью культуры и искусстваДревней Греции. Красоту и эстетику древнегреческих движений, поз и жестов подтверждают многочисленные рисунки Античной Греции, впечатления современников и трактаты философов-мыслителей.  Танцевальное искусство Древней Греции, как и другие виды искусства, бесспорно, повлияло на развитие мировой культуры и искусства, театра и балета. К античным танцам и античной культуре обращаются многие режиссеры, танцовщики и балетмейстеры.  Великая американская танцовщица Айседора Дункан заимствует древнегреческие позы и  жесты для своих импровизаций, а также использует древнегреческую тунику как основной вид костюма  для своих выступлений.К сюжету древнегреческой легенды о Ясоне и Медее обращаются хореографы Ж.Ж.Новер, М.Грехем,Г.Алексидзе, Ю.Посохов и др.

3.Средневековые танцы - отражение мрачного периода средневековья.  Придворные танцы их историческое значение.

После  эпохи возвышенного искусства античной Греции,  воспевающего      гармонию и эстетику человеческого тела и души,  совершенно противоположным предстает перед нами танцевальное искусство Средневековья, которое также оставило свой уникальный и неповторимый стиль и дух в истории.

Средневековая эпоха – это один из самых  мрачных периодов в  истории человечества, в котором господствовали варварство, инквизиция, эпидемиячумы, кровавые войны и религиозный гнет.Недаром многие гуманисты называют ее «тёмной эпохой».Религия и церковь в это время были могущественной идеологической силой,  поэтому личность и человек утрачивают свое былое значение - главным смыслом существования становитсявера, служение Богу и полное подчинение религиозным догмам. Романские храмы, готические соборы, средневековая живопись  отражают всю мрачность и суровость жизни и  рольчеловека в ней. Отражается это и в танцах - популярным становится «Пляска Смерти», возникшая на фоне голода, смерти и болезни людей..

Изначально «Пляска смерти»(фр. Dansemacabre, итал. Danzamacabra)это был жанр, возникший  на основе фресок , картин и сюжетов, повествующих о смерти. Этот жанр и первоначальный текст о пляске смерти  возникает в средневековой Германии, и далее распространяется и в других городах средневековой Европы. Картины на тему смерти рисуют художники Г. Гольбейн-мл., А. Дюрер и др.,  изображая образ смерти в основном в виде танцующего или играющего на музыкальных  инструментах скелета. В Италии наибольшей популярностью пользовались изображения не пляски, а триумфа Смерти.

 

Триумф смерти, Фреска в г. Клузоне, Ломбардия, XV в.

 

 

Танец смерти ( Х.Хольбейн)

Вскоре возникает и хореография танца  Смерти. В Каталонии, по свидетельству историков, в середине XIV в. пляску Смерти исполняли на кладбище возле церкви. Вот как описывает  М.Реутин испанскую пляску: «Испанская Пляска смерти включает в себя 33 персонажа, среди них — сборщиков подаяния и налогов, иподьякона, дьякона, архидьякона, привратника, кассира, еврейского раввина и мавританского первосвященника. В отличие от немецкого и французского переводов, в испанской Пляски смерти царит не дух отчаяния и покорности, но дух несогласия и противления. Папа молит о заступничестве Христа и Деву Марию, король собирает дружину, коннетабль приказывает седлать коня, щеголь призывает на помощь даму сердца. Над смятенным миром раздается клич триумфатора Смерти. Она влечет в хоровод «всех живущих людей любого сословия».

Как мы видим, смерть была не только символом мрака и ужаса, но и преподносилась в роли судьи, который подводит итог жизни и осуществляет справедливость на земле. Интересной теории придерживается С.Худеков: «Пляска смерти несет в себе философскую идею возмездия в будущей жизни и глубокий сарказм. Ошибочно этот танец называют «пляской мертвецов», но здесь главное действующее лицо не мертвецы, а смерть, предстающая, как правило, в образе человеческого скелета одинаково грозно и весело направляющая к могилам все человечество, не различая сословий и состояний»

К теме смерти обращаются и значительно позже многие живописцы, поэты,писатели и композиторы: Ш.Бодлер, К.Сен-Санс, Ф.Лист и др., которые  отражали в своем творчестве тему о смысле жизни и неотвратимости смерти, что во все времена  интересовала людей, которые задумывались о том, что все не вечно, что всему приходит конец. Эта тема была и остается актуальной.

В средневековый период была популярна и другая разновидность танца: Пляска Святого Витта, отличительными признаками которой были непроизвольные дергающиеся движения. Этот танец также был реакцией на окружающую жизнь и напряженную обстановку жизни. Люди верили, что для приобретения хорошего здоровья нужно танцевать, изображая движения,которые  напоминали поведение  психических больных людей перед статуей святогоВитта в день его памяти – 15 июня.Большая бельгийская хроника в записи за 1374 год свидетельствует: «В этом годув Аахен прибыли толпы диковинных людей и отсюда двинулись на Францию. Существа обоего пола, вдохновленные дьяволом, рука об руку танцевали на улицах, в домах, в церквах, прыгая и крича безо всякого стыда. Изнемогши от танцев, они жаловались на боль в груди и, утираясь платками, причитали, что лучше умереть. Наконец в Люттихе им удалось избавиться от заразы благодаря молитвам и благословениям».

 

Естественно церковь не одобряла подобные происшествия и “плясуны” были объявлены больными, их свозили в Часовню Святого Витта и держали под надзором.

Подобная участь ожидала и танец «Тарантеллу», зародившуюся в Италии в XV веке. В средние века танец был почти запрещен, так как он устраивался молодыми женщинами из низших слоев и  считался неприличным. По легенде, возникновение танца связано с пауком тарантулом, избавиться от противоядия которого можно было только при помощи танца. Другая версия—родиной тарантеллы был город Таранто, расположенный на юге Италии. Есть вероятность также, что тарантелла появилась в Италии путем проникновения туда плясок святого Витта. Австрийский поэт Рильке писал тарантелле: «…Будто выдуманный сатирами и нимфами, древний - и воспрянувший и вновь открытый, окутанный воспоминаниями; коварство, и дикость, и вино, мужчины снова с козлиными копытами и девы из свиты Артемиды».  Тарантелла и сейчас является популярным танцем не только в Италии, но и во всем мире.  Это быстрый, живой и игривый танец, который обычно сопровождается кастаньетами или тамбуринами и переплетает в себе мавританские и испанские особенности с итальянским колоритом.

 

 

Тарантелла

 

 

Питер Рубенс, «Танец итальянских крестьян»

 

Еще одним танцем, который полюбился простому народу, был бранль. Бранль родился в эпоху Средневековья и первоначально представлял собой танец с простыми шагами под исполнение песен. Танцуя бранль, люди образовывали хороводный круг под названием Кароль [франц. Carole – хоровод], который мог перестраиваться в линии и зигзаги. Также отличительной чертой бранля были наклоны корпуса вперед назад, вправо или влево, с подниманием ног. В Англии этот танец называли Брол или Броул [англ. Brawl], а в Испании – Брандо [исп. Brando]. Более всего Бранль прижился во Франции, где его танцевали повсеместно. ТуаноАрбо  в своем трактате описывает один из разновидностей бранля: «этот бранль отличается тем, что требует не только движений ног, но также плеч и рук; он исполняется с невысокими прыжками (petitssauts), в двудольном размере, в легком и оживленном темпе. Танцуя его, следует прыгнуть сначала на обеих ногах влево и приземлиться в позицию piedlargigauche — ноги врозь;левая впереди. Затем снова прыгнуть влево на обеих ногах в позицию pieddroitapproché — с приближением правой ноги…Этот бранль танцуют слуги и служанки, но иногда молодые люди и дамы благородного происхождения, когда они устраивают маскарады и переодеваются крестьянами и пастухами, либо когда они хотят повеселиться в своей компании».

 

Французский бранль

 

Танец играл большую роль в жизни людей, так как был средством выражения отчаяния и несогласияс существующей жестокостью и религиозным гнётом. Люди хотели иметь отдушину и радость среди мрачности и безжалостности жизни, и этой отдушиной был танец. На средневековых площадях и ярмарках появляются бродячие артисты, выступления которых состояло из танцевальных, цирковых номеров, сопровождаемых музыкой, песнями и т.д. Во Франции их называли жонглерами, в Италии – мимами, на Руси - скоморохами.

Со временем танцы начали делиться на народные и придворные. Появляются медленные танцы «басдансы», т. е. «низкие» танцы, в которых не было прыжков, и ноги почти не поднимались над полом. Их удобно было танцевать на балах, так как у женщин были платья с длинным шлейфом. Мужчины на балах танцевали, не снимая шпаг, оружие стали снимать позже.   Одним из первых танцев набалах был «Танец с факелами» -шествие, впереди которого шли мужчины с зажженными факелами. Часто такой танец- шествие исполнялся во время рыцарских турниров и на свадьбах. Горящий факел был символом Гименея, провожающего новобрачных до нового жилища. Перед началом шествия приглашались музыканты, а после начинались танцы князей и прочих высокопоставленных вельмож..

Постепенно, приближаясь к эпохе Возрождения, танцы приобретают все большую изысканность и выразительность. Это было связано с появлением балов, расцветом рыцарства и культом прекрасной дамы. Дамы хотели понравиться кавалерам, поэтому умение красиво двигаться, считалосьнеобходимым преимуществом для обольщения. То есть танцы начинают выполнять уже совсем другую функцию - они приобщают людей к эстетике, красоте и хорошим манерам.

 

4.Народные и придворные танцы эпохи Возрождения. Возникновение Балета и его влияние на общественно-политическую жизнь. Художественное оформление балетов эпохи Медичи

В связи с приходом новой эпохи, эпохи Возрождения, на смену старинной и медленной хореографии, приходят более оживлённые придворные танцы. Да и вообще в этот период, жизнь меняется - ослабевает религиозный гнет, появляется интерес к человеку, к его душевным переживаниям, внутреннему миру и  характеру.Происходит обращение к идеалам Античности, ее культуре и искусству. В произведенияхШекспира, Сервантеса и Петрарки мы видим появление новых героев - простых людей, которым не чужды человеческие эмоции и чувства. В живописи Леонардо да Винчи, СандроБотичелли и Рафаэля снова воспевается и подчеркивается красота человеческого тела. Наивысшим достижением эпохи Возрождения было создание площадного театра комедии дель арте, а также зарождение нового видатанцевального искусства—искусства балета.

Балет (франц.balleto; лат.ballo – значит, танцую)возникает как элемент придворного представления в Италии. Этоттермин  впервые применяет итальянский хореограф  и учитель танцев Доменико де Пьяченса.Балетом он называет сюиту из разных танцевальных темпов, соединенных в форме одного танца, которую он ввел при дворе в начале 15 века. А в своем трактате «Delaartediballareetdanzare» («Об искусстве танца») Доменика использует  слово ballo вместо слова danza, и «IlBallarino» («танцовщик»).

Еще одним прототипом будущего балета были мавританские танцы, мориски,  то есть танцевальные сценки, имитирующие сражения иповествующие о борьбе христианского населения южных стран с сарацинами. Эти сценки были обязательным  атрибутом шествий и карнавалов, а также входили в состав театральных представлений комедии дель арте. Родиной морисок была Испания,  а позже они распространились по всей Европе. Вот как С.Худеков описывает мориску: «В Италии и Англии, мавританский танец (Moriska) был даже необходимою принадлежностью каждого праздника. Утверждают, что создан был этот танец маврами, оставшимися в Испании (Moriscos), откуда он был перенесен по ту сторону Пиренеев. Его танцевали под шумные звуки труб, в платье, обшитом бубенчиками; медленно нагибались вперед, попеременно притоптывая то правою, то левою ногою, то сразу обеими ногами».

 

Конечно, первые балетные спектакли не были отдельным видом искусства. Это были спектакли, в которых сочеталась пантомима со стихотворным речитативом и пением. В 1489 году,  по случаю женитьбы герцога Миланского ДжанГалеаццоСфорца на Изабелле Арагонской, был поставленодин из первых балетовломбардцем БрегонцодиБотта. Основой для сюжета балета, который сопровождался хором и песнями, были античные легенды и их герои -  Ясон с аргонавтами, Елена, Федра, Медея, а также нимфы и амуры.

Появление всевозможных трактатов о танце, учителей и хореографов, свидетельствуют о профессионализации танца. Танец становится важным компонентом в составе любого зрелища, представления и балета того времени. Вот как описывает данный период Красовская: « К тому времени искусство танца в Италии стояло уже на такой высоте, что хореографические композиции входили в зрелища, созданные большими поэтами и художниками. В 1496 году, для праздника, данного герцогом Людовико Моро в Милане, Леонардо да Винчи рисовал костюмы танцовщиков и изобретал сценические эффекты».

Представленияплощадного театра комедии дель арте создавались методом импровизации и сопровождались песнями, танцами, игрой на музыкальных инструментах - лютне, волынке, флейте и др. Танцы главных героев-Арлекина, Пульчинеллы, Скарамушабыли заимствованы из народных плясок и балетов, а также отображали характеры данных персонажей, что придавало свой неповторимый оттенок каждому из персонажей. Вот как описывает танцы персонажей комедии дель арте ГрегориоЛамбранци: «Танцует ли арлекин — это сплошь веселые и радостные движения, ничего, кроме радости двигаться (lauterCourage); он не связывает себя никакими танцевальными фигурами, когда он один; он только думает о том, как бы ему применить смехотворный прыжок или веселую позу — все ему позволено. Скарамуш уже серьезнее, следит за своими позами, иногда применяет испанские и старается создать свой особый жанр. Он применяет в танце широкие шаги и жесты из danseserieuse, но все у него должно получаться весело и смешно. Пульчинелла приближается в танце к скарамушу; он на полпути между ним и арлекином»⁵³.

 

Рис. Жака Калло.  Персонажи итальянской комедии масок

 

 

 

Народная танцевальная культура всегда была  источником, откуда черпались движения, фигуры, а зачастую и вполне сложившиеся танцевальные композиции для светских балов, балетов и опер.  Так, изначально народные танцы  сарабанда,аллеманда, вольта, бурре, гальярда  со временем становятся популярными и среди привилегированных классов.

 

Сарабанда – это старинный танец, который был известен еще с 16 века. Ранние формы этого танца сильно различались по характеру и  по темпу.  Сервантесаи Лопе де Вега описывают сарабанду  как озорной, темпераментный танец, который  исполняли только женщины под песни, считавшиеся неприличными. Аккомпанементом служили кастаньеты, удары барабана и гитара.У себя на родине, в Испании, сарабанда попала в разряд непристойных танцев и была запрещена. В других источниках говорится о том, что сарабанда пелась на погребальной церемонии. Но, несмотря на запрет, сарабанда постепенно становится одним из популярных придворных танцев в Испании и приобретает торжественный, величавый характер. Известный балетмейстер и педагог Карло Блазис в одном из своих трудов дает краткое описание сарабанды: «В этом танце каждый выбирает себе даму, к которой он неравнодушен. Музыка дает сигнал, и двое влюбленных исполняют танец, благородный, мерный, впрочем, важность этого танца нисколько не мешает удовольствию, а скромность придает ему еще больше грациозности; взоры всех с удовольствием следят за танцующими, которые исполняют различные фигуры, выражают своим движением все фазисы любви».

 

 

Еще одним излюбленным танцем на балах XVI века была «Павана»-- величественный медленный танец-шествие, имеющий по одной версии итальянское (от названия города Падуя), по другой испанское (исп. pavana, от лат. pavo — павлин) происхождение.  Вот как описывает павануТуаноАрбо  в своем трактате:

«Благородный кавалер может танцевать павану в плаще и с мечом, а другие — в длинных одеждах, двигаясь благопристойно и с нарочитой торжественностью; девицы — сдержанно, опустив глаза, иногда посматривая на зрителей с целомудренной скромностью. Павану танцуют короли, принцы и знатные господа, чтобы в дни торжественных празднеств показаться в великолепных парадных платьях и плащах; их сопровождают королевы, принцессы и знатные дамы в платьях с волочащимися длинными шлейфами, которые иногда несут придворные дамы. Эти паваны, исполняемые на гобоях и волынках, называются «большой танец» (grandbal) и он продолжается до тех пор, пока танцующие не обойдут зал по кругу два или три раза, если только они не предпочитают двигаться вперед и отступать назад. Паваны танцуют также на маскарадах, во время выходов триумфальных колесниц с богами, богинями, императорами к королями, исполненными величия».

 

Аллеманда тоже имела широкое распространение. Это былобщественный парный танец немецкого происхождения, также с плавными размеренными движениями.Танцем открывались праздники и балы. Перваячастьтанцапредставляла собой торжественное шествие в музыкальном размере 2/4 или 4/4, вторая часть Французской Аллеманды была более танцевальна, чем первая и исполнялась в более быстром темпе.

Но вернемся к балету. Во Франции балет был введен капельмейстером Екатерины МедичиБальтазарини. В 1581 г. он поставил в Лувре "Цирцею и ее нимфы"- представление,получившее название «Комедийный балет королевы». Согласно описанию самого автора –  «Комедийный балет Королевы» должен был соединить воедино драму, танец, пение и музыку; создать подобие греческой трагедии с хорическими танцами. Исполнителями ролей стали члены королевской семьи, придворные и сама королева. С тех пор балет вошел в  моду и носил  эстетический и развлекательныйхарактер.

 

Сцена из балета 'Цирцея' Бальтазарини. Париж. 1581

 

Стоили подобные увеселения не дешево. Писатель Летуаль писал: «Расход так велик, что ходит слух, будто королю это обойдется не менее миллиона экю». Ирина Дешковаподробно описывает пышность  художественного оформления «Комедийного балета»: «В нарядах из золотой и серебряной парчи, ослепляя публику блеском драгоценностей, они изображали веселящихся в роще нимф, исполняя танцы тритонов и сирен. На живописном заднике, на фоне неба, усеянного звездами из дорогого цветного стекла, высился замок Цирцеи. По бокам от него находились дубовая роща с листьями и желудями, изготовленными из сусального золота, и грот, где Пан играл на своей свирели».

Балеты были тесно связаны с жизнью, нравами и обычаями своего времени, и, часто были наполнены политическим смыслом.Вот как описывает С.Худеков один из балетов времени правления Екатерины Медичи: «Даже за 4 дня до Варфоломеевской ночи, по случаю свадьбы короля Наваррского с Маргаритой Валуа, Медичи устроила в Тюильри поэтический балет с сюжетом о защите "Рая". Распределение ролей играло особый смысл: король и его братья защищали Рай с правой стороны зала, король Наваррский и его друзья находились в Аду слева. Рай был наполнен блаженными небожителями во главе с герцогом Анжуйским, ад - чертями разного калибра. Между адом и раем по реке в лодке плавал Харон. Позади рая находились "Елисейские поля" в виде роскошного тропического сада, в котором танцевали 12 нимф. Бой закончился тем, что враги короля были низвергнуты в ад. Балет был не особенно сложен, состоял из выходов танцоров, которые жестами, движениями и танцами объясняли его содержание».

Зачастую балеты представляли собой события государственного масштаба и служили оружием для политических интриг. Вот как С.Худеков пишет об этом: «Зная склонность Генриха III к развлечениям, честолюбивая Медичи пользовалась его страстями, чтобы отстранить его от управления государством. Окружала его красивейшими женщинами, устраивала многочисленные пиры, балы, маскарады, под ее руководством ставились дивертисменты (поэтические балеты) с танцами. Генрих III устроил однажды пир в честь своей матери, где присутствовали женщины, переодетые в мужские костюмы. Королева в ответ пригласила его на роскошное пиршество, за которым прислуживали полуобнаженные дамы (нимфы) сраспущенными волосами; исполнялись песни с самым игривым содержанием, пьесы с диалогами и танцами с участием Генриха III. Этот исторический неврастеник доходил до того, что в 1577 году в одном из балетов он был одет в женский костюм с открытой грудью, на которой красовалось жемчужное ожерелье. Говорили, что танцевавший Генрих не то король-женщина, не то мужчина-королева.»

 

 

5.Танцевальное искусство 17-18 веков . Людовик XIV и балет.                                                             Появление балетной музыки и сюжетных балетов. Придворные танцы на ассамблеях при Петре 1. Танцовщики-реформаторы Мария Камарго и Огюст Вестрис. Ж.Ж.Новер и его реформы.

 

В конце XVI—в начале XVII веков происходит значительный подъем театра и  театрального искусства—строятсяпостоянные театры, применяются осветительные эффекты (яркий свет, темнота с мерцающими огнями, фейерверк, дымовая завеса и пожар), становятся более богатыми и разнообразными  костюмы. Появляется новая профессия-- архитектор-декоратор, применяетсяновоетеатральное оборудование и более сложные механизмы.Большое внимание уделяется опере и оперной музыке, которая всё больше усложняется и совершенствуется. Что касается  балета, то он временно уходит на второй план, ожидая своего дальнейшего развития.

Новый этап развития балетного искусства, связан с деятельностью короля Людовика XIV. По заказу Людовика в 1661г  была открыта Королевская академия музыки и танца, сейчас известная как «Гранд- Опера». Людовик и сам любил участвовать в балетах.  Впервые он выходит на сцену в возрасте 13 лет в «Балете Кассандры». Год спустя  Людовик танцует не менее шести ролей в «Балете празднеств Вакха». Потом   идут балеты «Свадьба Пелея и Фетиды», «Балет времени», «Балет наслаждений» и др. И,наконец, на празднично-маскарадной кавалькаде, прозванной «конным балетом»,  Людовик XIV предстал перед народом в роли римского императора с огромным щитом в форме Солнца, зачто и был прозван «Король-Солнце». Балеты, в которых принимал участие Людовик XIV, в основном воспевали французское государство и короля, выставляя его храбрым и всемогущим правителем в образах Восходящего Солнца, Аполлона, Рыцаря и др.Однако у короля были и несерьезные, шутовские и бурлескные роли— Демон, Мавр, Испанец, Вздыхатель, Огонь, Смех и т.д.  Это подтверждает Филипп Боссан, описывая творческую жизнь Людовика XIV: «По приведенной статистике, за десять лет на девятнадцать бурлескных или шутовских ролей приходятся одиннадцать более сдержанных, более благородных, элегантных, возвышенных духом мифологии, легенды или аллегории…».

 

 

Исполнение танца сопровождалось пением.

 

 

Людовик XIV   Король танцует. Иллюстрация Лелуара

 

В период  царствованияЛюдовика XIV Франция пережила расцвет культуры классицизма, связанный с именами Мольера, Расина, Буало, Лафонтена, Фенелона- в литературе;Мансара- в архитектуре; Пуссена и Лорена - в живописи. Все это отражалось на декорациях и стилистике балетных спектаклей. И, конечно, благодаря Людовику XIV балетное искусство стало популярным.Огромный вклад в развитие балета  внес балетмейстер короля и руководитель балетной труппы французской Королевской академии музыки П.Бошан. Также неизгладимый след в истории балет оставил  великий драматург Ж.Б. Мольер, создав новый жанр - комедия-балет. Сотрудничество Мольера, Бошана и Люлли привело к созданию  новых спектаклей комедии-балета -  «Брак поневоле», «Принцесса Элида» (1664), «Любовь-целительница» (1665), «Жорж Данден» (1668), «Господин де Пурсоньяк» (1669), «Блистательные любовники» (1670) и «Психея», «Мещанин во дворянстве» и др. Это были  балеты, соединяющие  в себе балетные выходы (антре), вокальные номера, хор и увертюру. Балеты ставились по заказу  Людовика XIV, который часто  принимал сам  в них участие. В  основе сюжета балетов  лежали нравоучительные истории, высмеивающие человеческие пороки, напоминающие комедию дель арте.

 

Комедия-балет «Принцесса Элида» 1664

 

Балетная музыка Люллидобавила новую окраску балетным спектаклям. Его музыка отличалась изяществом и особым шармом. До Люлли уже писалась балетная музыка, но он принес балету важные и нужные новшества -оживил темп и добавил характерные мелодии.  Музыка Люлли не была формальной и чрезмерно строгой, она была понятна и простому народу, благодаря своей мелодичности и чуткости. Современник Люлли, ля Вьевилль рассказывал, что одна любовная ария из оперы "Амадис" распевалась "всеми кухарками Франции".

В 1681 года на сцене Парижской Оперы балет-пастораль «Триумф любви» (LeTriomphedel’Amour) в постановке Бошана на музыку Люлли. Этот балет запомнился тем, что в нем впервые выступила  профессиональная  танцовщица-балеринам-ль Ла Фонтен(до этих пор танцовщиц заменяли «замаскированные и наряженные под женщин танцовщики). Ее танцы отличались красотой и изяществом и вызывали восхищение у французской публики, за что м-ль Ла Фонтен вскоре ее прозвали королевой танца -reinedeladansе.

Сцена из балета: 'Триумф любви', балетм. Бошан. 1681

На протяжении 17 века происходят изменения в балете и в танцевальном искусстве: обогащается техника танца, облегчается костюм, исчезают и малоподвижные танцы -павана, куранта, сарабанда, на смену приходит изящный и грациозный менуэт.

Родившийся во времена эпохи Людовика XIV, менуэт стал излюбленным придворным танцем и имел популярность вплоть до начала 19 века. В этом танце разрешалось кавалерам держать даму за руку, а сам танец состоял из многочисленных приседаний, поклонов, шагов, изысканных поз. Предполагают, что название «Менуэт» происходит  от французского слова  menu» (menu – маленький, мелкий; pasmenu – маленький шаг, шажок). В 18 веке танецзначительно усложняется, а в 1763 году, по случаю бракосочетания Людовика XVI и Марии Антуанетты, танцевальными академиками был сочинён Менуэт Королевы [франц. Menuet à laReine],который считается самым сложным среди придворных менуэтов…

 

Менуэт.Гравюра из книги Рамо «Учитель танцев»

 

В России на балах 18 века танцуют иностранные манерные танцы, менуэты и англезы, а также иногда и более подвижные, народные. Об этом упоминает Ю.Бахрушин: «…манерные иноземные танцы не вполне удовлетворяли как исполнителей, так и зрителей, и, по свидетельству современников, по мере развития бала танцующие переходили на более яркие народные танцы - «штирийские, польские и черкесские». Танцевали и русские пляски, по свидетельству Штелина: «...знатные господа» иногда танцевали и русский деревенский танец «...когда были особенно веселы... но не серьезно, а как бы в шутку, а может быть, желая вспомнить старый обычай страны».

Саму церемонию бала, названную при Петре ассамблеями, Бахрушин в своей книге «история русского балета» описывает так: «Обычно бал на ассамблеях начинался общими церемониальными танцами. Это были медленные маршеобразные танцы со множеством поклонов и реверансов. Особенно распространен был «польский», известный теперь как полонез. В нем, из-за медленного его темпа и несложной техники исполнения могли участвовать все присутствующие, невзирая на возраст. Летом, когда царь Петр устраивал ассамблеи у себя в Летнем саду, церемониальные танцы часто проводились на воздухе. Зимой в торжественных случаях их исполняли с факелами или с кубками вина. После того как маршал бала объявлял об окончании церемониальных танцев, начинались зарубежные бальные танцы, принятые при других европейских дворах, по преимуществу менуэты и англезы. Как правило, присутствующие образовывали круг, в середине которого одна или две пары исполняли тот или иной танец, после чего их сменяли другие пары из числа зрителей. Заканчивалась ассамблея обычно массовым прощальным танцем».

 

Упомянутый Бахрушиным Полонез, представляет собой церемониальный танец-шествие. Кавалеры выводят дам вперед, образуя колонну. Танец имеет польское происхождение и исполняется в основном в начале бала или церемонии. Этот танец можно увидеть  в опере «Евгений Онегин». Музыкальные образцы полонеза встречаются в сюитах и партитахИ. С. Баха, Г. Ф. Генделя, в произведениях В. А. Моцарта, Л. Бетховена, К. М. Вебера, Ф. Шуберта; широкое развитие этот музыкальный жанр получил в творчестве Ф. Шопена.

В 18 веке движения классического танца становятся технически более сложными. На развитие классического танца оказывает большое влияние французский теоретик танца Пьер Рамо. В 1725 году выходит его книга «Мастер танцев», авсего через шесть месяцев«Краткий справочник по новой методике в искусстве описания и рисования всех видов городского танца…».В своей  книге «мастер танцев» Рамоточно описывает, как нужно делать то или иное балетное движение и куда должны поворачиваться ноги, руки и голова во время танца.

 

Из книги Рамо LeMaître à danser

 

О значительном росте танцевальной техники 18 века свидетельствуют восторженные отзывы современников о балете и новых звездах балета.О французской балерине Марии Камарго в журнале Меркюр де франс» писали так:  « Кабриоли и антраша не стоили ей усилий… ее можно почесть одной из самых блестящих танцовщиц, особенно благодаря  музыкальной чуткости, воздушности и силе». Камарго настолько полюбилась публике, что в моду вошли шляпы, веера  и прически в стиле балерины. Мария Камарго отличилась и тем, что она изучила и овладела техникой исполнения мужского прыжка entrechat quatre, а также укоротила длину юбки, что позволило ей  и следующему поколению балерин совершать  более сложные движения и прыжки.

 

Никола Ланкре. «ТанцующаяКамарго» (ок. 1730)

 

Также не мог остаться не примеченным публикой и критиками знаменитый танцовщик Огюст Вестрис. Зрители восхищались его талантом и уникальными способностями: «Г-н Вестрис оставил зрителей в полном недоумении - чем надо больше восхищаться, силой его или грацией его движений. Выходя на сцену, он сделал такое поразительное антраша, что дамы испугались. Они думали, что ему не удастся опуститься, не повредив ногу. Но в дальнейшем течении балета Вестрис показал, как этот прыжок, принятый за опасное усилие, ничего не стоит его силе и его легкости. Он делал вещи столь неожиданные и столь неизвестные до него, что весь зал охватило изумление». Также О.Вестрис упоминается в «Письмах русского путешественника» Н. М. Карамзина: «Вестрис в пастушьем платье прыгал как резвая коза…правду сказать, искусство сего танцовщика удивительно. Душа сидит у него в ногах, вопреки всем теориям испытателей естества человеческого... Какая фигура! какая гибкость! какое равновесие! Никогда не думал я, чтобы танцовщик мог доставить мне столько удовольствия! Таким образом, всякое искусство, подходящее к совершенству, приятно душе нашей! Плеск восхищенных французов заглушал музыку. В положении страстного любовника, которого душа в томных вздохах сливается с душой любовницы, сокрылся Вестрис от глаз зрителей, поцеловал свою пастушку и бросился отдыхать на лавку»

 

 

Огюст Вестрис

 

Настоящую реформу в танцевальном искусстве произвёл балетмейстер и теоретик балета Жан-ЖоржНовер. Его балеты становятся самостоятельным танцевальным спектаклем,наполненными содержанием и драматическим сюжетом. О своих реформах в балете он писал так: «Я разбил уродливые маски, предал огню нелепые парики, изгнал стеснительные панье и еще более стеснительные тоннеле; на место рутины призвал изящный вкус; предложил костюм более благородный, правдивый и живописный; потребовал действия и движения в сценах, одушевления и выразительности в танце; я наглядно показал, какая глубокая пропасть лежит между механическим танцем ремесленника и гением артиста, возносящим искусство танца в один ряд с другими подражательными искусствами, и тем самым навлек на себя неудовольствие всех тех, кто почитает и соблюдает старинные обычаи, какими бы нелепыми и варварскими они ни были». В своих «Письмах о танце» Новер дает совет балетмейстерам:«...балетмейстеру следует повторять действие каждой сцены вновь и вновь, пока не наступит момент, когда у исполнителей проявится та естественность,  что заложена в каждом человеке; драгоценно это свойство выказывается всегда столь ж сильно, сколь и правдиво, когда оно порождено чувством». Фактически,Новер призывает балетмейстеров быть режиссерами своих спектаклей: «Поскольку балеты суть театральные представ­ления, они должны состоять из тех же элементов, что  и произведения драматические…Всякий балетный сюжет должен иметь экспозицию, завязку и развязку. Успех этого рода зрелищ отчасти зависит от удачного выбора сюжета и правильного распределения сцен».

Интересно Новер высказывается и о декорациях в балете: «Декорация станет служить тогда, когда,если можно так выразиться, это будет контрастным фоном для танцев. Танец же в свою очередь сообщит еще большее  очарование живописи и придаст ей новые силы, способные очаровать зрителя, взволновать его и заставить отдаться пленительному обману».О балетной музыке Новер говорит так: «Сравнением этим я хочу сказать лишь одно: танцевальная музыка представляет собой или должна представлять своего программу, которая устанавливает и  предопределяет  движения и игру каждого танцовщика, последний, стало быть, должен передать содержание программы, сделать ее внятной при помощи  энергетических и выразительных жестов и оживлённой игры лица. Действенный танец, следовательно, является проводником вложенных в музыку идей, призванным ясно и наглядно растолковывать их».

 

 

Сцена из балета «Адель де Понтье» И. Штарцера. Балетм. Ж. Ж. Новер. Вена. 1774

 

Балетное искусство, безусловно, получило большое развитие в 18 веке. На смену вычурной и роскошной эпохи Барокко, приходит рациональная и рассудительная эпоха Просвещения, которая влияет на социально-культурную жизнь общества,  искусство и танец.Удовлетворяя запросы и интересы образованной и просвещенной публики 18 века, танцевальное искусство становится содержательнее, большее внимание уделяется декорациям и цвету костюмов, а также усложняется техника исполнения. К балетам специально пишется балетная музыка и они становятся профессиональным  самостоятельным  видом искусства.

 

6. Эпоха романтических балетов 19 века и ее представители. Балеты Артура Сен-Леона и их историческое значение. Мариус Петипа  и Петр Ильич Чайковский-  создатели шедевров классического балета. Новые тенденции танцевального искусства конца 19 века

 

Французская революция и существующее недовольство жизни порождали новые эстетические идеалы и философские идеи. На смену эпохи Просвещения приходит эпоха Романтизма. Рациональность и рассудительность уступает дорогу всему чувственному, бунтарскому и романтическому.В произведениях Байрона, Гюго, Дюма, Пушкина, Лермонтова появляется новый герой-бунтарь.К романтическим идеалам обращаются художники Э.Делакруа, Уильям Блейк,Ф.Гойя, И.Айвазовский.

Настоящим символом эпохи романтизма является воздушная и неземная Мария Тальони. Мария совершила переворот в балетном искусстве - она была первой балериной, которая  вышла на сцену в специальной балетной обуви  - пуантах. Пуанты добавляли ее образу возвышенность и утонченность и создавали эффект парения в воздухе, который запечатлен на многих гравюрах того времени.

Мария дебютировала в балете «Приём молодой нимфы ко дворцу Терпсихоры» в Вене, также танцевала в балетах  «Психея» Вестриса,  «Зефир и Флора»Дидло и других балетах. Но  настоящий успех и славу ей принес  романтический балет «Сильфида», поставленный ее отцом, хореографом Филиппо Тальони.

В сюжете балета «Сильфида», представляются два противоположных мира – земной мир   и  мир духовный. Главный герой Джеймс, оставляет свою невесту и дом, ради прелестной девы воздуха Сильфиды. Балет, в котором показаны противоречия между мечтой и реальностью, становится символом романтического балета и романтической эпохи.

Творчество Марии Тальони вызывало широкий интерес у критиков, писателей, поэтов и музыкантов и художников, запечатлевших ее  в многочисленных картинах и гравюрах. Известный историк Соловьев писал о Тальони, после ее приезда в Россию: «Несомненно, талант Тальони, такой близкой и родственной его поэзии, нашел бы в нашем поэте самого верного поклонника, и не одну строчку своих дивных творений он посвятил бы этой дивной художнице, своему собрату по искусству… Но Пушкин умер в начале 1837 года, Тальони приехала к нам только в конце его…»

Также символами эпохи романтизма является знаменитый балет «Жизель», музыку к которому сочинил Адольф Шарль Адан, а хореографию, Жюлль Перро совместно с балетмейстером Жаном Коралли.

 

 

КарлоттаГризи

 

Сюжет балета «Жизель» был создан ТеофилемГотье на основе легенды о виллисах, девушках, которые мстили женихам за свою погубленную жизнь из-за несостоявшейся любви. Первой исполнительницей Жизели была КарлотаГризи. Гризи была прекрасной романтической и драматической танцовщицей, как отмечают критики, танцевала в основном в балетах своего мужа, одаренного балетмейстера Жюля Перро, автора знаменитой «Жизели». Вот как ее описывал знаменитый романист и поэт ТеофильГотье: «Молодой, чистый голос, абсолютный слух, легкая поступь, безукоризненно точные движения, нежный и простодушный взгляд голубых глаз – такой осталась КарлотаГризи в памяти светских людей и журналистов. КарлоттаГризи легка и целомудренна, как Тальони;  жива, весела и точна, как Эльслер; кроме того, у нее есть неоценимое преимущество: ей всего двадцать два года, и она свежа, словно цветок в утренней росе».

Фанни Эльслер, которую упоминает Т.Готье, была характерной танцовщицей, проявившей свой темперамент в балетах «Тщетная предосторожность», «Эсмеральда». Она была  великолепна и  в народных танцах - качуча, мазурка, краковяк, тарантелла и др. Первой исполнительницей балета «Эсмеральда», была К.Гризи. 12 декабря 1848 года состоялась русская премьера «Эсмеральды» на сцене Большого Каменного театра в Санкт-Петербурге с участием Фанни Эльслер. Вот как пишет Бахрушин о Фанни Эльслер и о балетах, в которых она принимала участие: «Москвичи особенно восторгались Фанни Эльслер в балетах Перро, из которых в Большом театре имели успех лишь наиболее социально и политически заостренные -  «Жизель», «Катарина», «Эсмеральда». В условиях начавшейся упорной борьбы за объединение Италии и освобождение севера страны от австрийского владычества, образ Катарины казался правительству одиозным, а «Эсмеральда», созданная на основе романа Гюго, открыто выражалареволюционные мыслииолицетворяланеповиновениевласти».

 

 

Важным событием  танцевального искусства России 19 века является появление двух мировых балетмейстеров - Артура Сен-Леона и Мариуса Петипа.  Они внесли свой бесценный вклад в развитие русского и мирового балетного искусства.

АртуруСен-Леону принадлежат балеты «Маркитанка (LaVivandière)», «Заколдованная скрипка»  на музыку Цезаря Пуни, «Золотая Рыбка» Минкуса, «Коппелия» Делиба по новелле Гофмана и др.Сен-Леон не отличался способностью создавать связанные сюжетные спектакли, как делали его предшественники, но его фантазия, изобретательность и любовь к спецэффектам не оставляли  зрителя равнодушным. Балетный критик Ю. А. Бахрушин в книге «История русского балета» пишет об изобретательности  Сен-Леона:  «Так, балетмейстер впервые применил на сцене настоящую воду для фонтанов и водопадов, широко использовал газ для световых эффектов, ввел в употребление дуговые электрические фонари-спектры, чтобы освещать танцовщиц лучами, устраивал выезд танцовщиков на велосипедах, заставлял исполнительниц танцевать на огромных клавишах рояля и т. п.»

 

Далее Бахрушин описывает балет «Конек-Горбунок», поставленный Сен-Леоном в России: «Совершенно исказив сказку Ершова и лишив ее сатирической окраски, он превратил произведение в верноподданнический панегирик самодержавию. Создавая балет, Сен-Леон всячески стремился не затрагивать в нем русскую жизнь, о которой он не имел никакого представления. В итоге на протяжении всего огромного спектакля только первый акт развертывался в фантастической русской деревне, где жизнь текла по каким-то особым законам, не имевшим ничего общего с действительностью. Главным героем балета стал царь Александр II; сама же сказка являлась аллегорией отмены крепостного права. Царь-девица олицетворяла желанную свободу, хан воплощал в себе силы реакции, Иванушка символизировал темный и простоватый "добрый русский народ", и наконец, Конек-Горбунок являл собой некоего светлого гения России. Никакого стройного развития драматургии, как это было у Дидло или у Перро, здесь не наблюдалось. Нагромождение картин, сменявших друг друга, преследовало единственную цель - создать беспрерывную цепь впечатлений. В этом плане и разрешался спектакль, заканчивавшийся грандиозным прославлением Александра II. Балетмейстер представлял себе этот апофеоз следующим образом: на сцене на фоне древней кремлевской стены высится гигантский памятник "царю-освободителю", у подножия которого лежат разорванные цепи рабства, и все народы, входившие в состав Российской империи, прославляют монарха, даровавшего им свободу. Из-за кремлевской стены восходит лучезарное солнце, освещающее светлый новый путь преобразованной Росси».

Такимбыл балет Конек-Горбунок, не лишенный изъянов,по мнению Ю.Бахрушина. Однако нельзя не оценить  историческое значения балета, а также не учесть того, что он полюбился публике и  не сходил с русской сцены на протяжении 100 лет.

 

 

Первые балетные постановки Мариуса Петипа в России, такие как дивертисменты «Звезда Гренады», «Парижский рынок»,не  вызывали огромного интереса у публики. Балеты «Дочь Фараона», «Дон Кихот» пользовались большим вниманием у зрителей, но и тут не обошлось  без критики, о чем пишет Бахрушин в своей книге: «Продолжая литературную тему в балете, он (прим. Петипа) в 1869 году показал московскому зрителю одно из лучших своих произведений - «Дон-Кихот», в котором применил все свои знания испанского танца. Спектакль сопровождался успехом, но критика снова указала на крупные недостатки драматургической основы постановки. Петипа еще не понимал, что содержание и содержательность не одно и то же. Борясь за сюжет спектакля, он не думал о его идейной стороне и, обращаясь к литературным произведениям, черпал из них только фабулу». Однако этот период творчества былважным этапом становления балетмейстера. В этих балетах проявился оригинальный почерк и стиль Мастера. В наши дни балеты «Дон Кихот» и «Дочь Фараона», в редакции других хореографов  пользуются большим успехом у зрителей.

 

Балет «Дочь Фараона», Большой театр, 2012

«Балет Баядерка» поставленный Мариусом в 1877, а также финальная картина «Тени»являются образцами классического балета и по сей день. В основе сюжета балета лежит романтичная легенда о несчастной любви баядерки и храброго воина, а действие проходит в Индии— «Выбор этой темы был обусловлен живейшим интересом русского общества к Индии», пишет Ю.Бахрушин.

Настоящий переворот в хореографическом искусстве, безусловно, совершили балеты «Спящая Красавица», «Лебединое Озеро» и «Щелкунчик». Успех этих балетов произошел благодаря соединению новаторской и волшебноймузыки Чайковского и безупречной хореографии уже маститого Мариуса Петипа.

Балетную музыку Чайковского признали самые консервативные критики того времени. До этого подобной балетной музыки не существовало. У Чайковского она впервые стала симфонической и драматически завершенной. Его музыку любят и восторгаются и сейчас. Кто только не прикасался к музыке из «Лебединого озера»! Педагог и концертмейстер Н.Е.Воронова, передает главную суть музыкального произведения Чайковского: «Этот неповторимый шедевр мог создать только Чайковский. Он мыслил сказочно, симфонически, всеми частичками своей души.  Каждый звук этого произведения  врастает в тебя и ты становишься заложником музыки…»

 

«Лебединое озеро» в постановке М.Петипа и Л.Иванова

Нельзя не упомянуть и Льва Иванова, который завершил постановку Щелкунчика и Лебединого, после болезни Мариуса Петипа. Совместно с Петипа они создали уникальные балеты, которые передавали содержание сюжета и глубину образов, полюбившимся зрителем на долгие годы и века.

Что касается социальных танцев, как в  России, так и в Европе популярными танцами  19 века были  полонез, вальс, кадриль, полька, галоп и др.

Вальс, появившийся в центральной Европе во второй половине 18 века,  становится любимым танцем на балах на протяжении всего 19 века. В России танец вальс был запрещен до 1888года, по причине того, что однажды  Павел І, упал, исполняя этот достаточно подвижный танец. Во многих странах вальс считался неприличным танцем, но вскоре легкие, завораживающие движения по кругу в сочетании с волшебной музыкой великого композитора Штрауса, пришлись по вкусу публике.

 

Gustave Barry and Philippe Jacques Linder, Waltz

 

Танец кадриль распространилась в салонах Франции и других европейских стран в XVIII - XIX веках. Это подвижный веселый танец, в котором танцующие меняются местами друг с другом. Бурхгольцпишет о танце кадриль, который исполняли на ассамблеях: «Десять или двенадцать пар связали себя носовыми платками, и каждый из танцевавших, попеременно, идя впереди, должен был выдумывать новые фигуры. Особенно дамы танцевали с большим увлечением. Когда очередь доходила до них, они делали свои фигуры не только в самой зале, но переходили из нее в другие комнаты, некоторые водили в сад, в другой этаж дома и даже на чердак».Кадриль любили танцевать как знатные дамы и господа, так и простой народ. Известны несколько видов кадрили: русская, белорусская, украинская, литовская, эстонская, латышская, французская, польская и т.д. И каждый танец имеет свою особенность и неповторимый национальный оттенок.

 

Танцы - полька, мазурка и галоп также относятся  к подвижным и живым танцам, что  было свойственно эмоционально-романтическому духу 19века. Музыку к польке  пишут знаменитые композиторы - И.Штраус, Б.Сметана, А.Дворжак и др. Мазурку можно встретить в балете «Пахита», как основной и ключевой вид танца. Галоп часто встречается в опереттах и водевилях.

 

Во Франции в 19 веке появляется искрометный и провокационный канкан - танец, который и сейчас  исполняетсяна праздниках, всевозможных шоу и вечеринках. Изначальнотанец канкан считался неприличным и исполнялся в основном в маленьких тавернах. По одной из версий его придумала танцовщица легендарного кабаре Мулен Руж,СелестМогадо, продемонстрировав его на одном из своих выступлений. Завсегдатаем Мулен Руж былхудожник Анри де Тулуз-Лотрек, который запечатлил этот танец на плакатах.На большой сцене канкан был представлен публике  21 октября 1858, на премьере оперетты Жака Оффенбаха "Орфей в аду".

Еще одним важным событием в танцевальной культуре было появление загадочного и страстного танца танго. Танго возникает в конце 19 века в в Буэнос-Айресе и его окрестностях – орильях. Первоначально  его исполняли в бедных кварталах  эмигранты и приехавших в город на работу гаучо и сельские жители. Позже танго распространилось по всей Европе, России и Америке среди всех слоев общества, а сейчас танго входит в программу спортивного бального танца. Танго—это любовный танец-разговор, который происходит между мужчиной и женщиной под чувственную музыку. Здесь важно все - движение, жест, прикосновение, взгляд…Постепеннопреобразуясь, танго становится одним из самых сложных видов спортивного бального танца.Также танго можно увидеть в ключевых моментах многих знаменитых фильмах -«Запах женщины» Мартина Бреста, «Фрида» ДжулиТэймор, и др.

 

Танго

7. Развитиетанцевального искусстваот начала20века до нашихдней.

Конец 19-го- начало 20 века отмечен разнообразием культурных и художественных явлений, стилей и направлений. Огромное влияние на мировое искусство оказывает афро-американская культура, прежде всего благодаря музыке и новым музыкальным жанрам и направлениям, таким как,джаз, блюз,  регтайм. На основе новой музыки и африканскихдвижений возникают новые танцы и танцевальные направления -«Шимми», «БлэкБоттом» , «Чарльстон», «Ту-степ»,«кейкуок» и др.

 

Все эти танцы объединяет легкость, непринужденность и,можно сказать,дурачество.  На основе этих танцев в дальнейшем  возникают  новые танцевальные направления и подвиды. Например, появление некоторых видов профессионального  бального танца– фокстрота,джайваи квикстепа, тесно связаны с  танцами кейкуок, ту-степ, шимми(Shimmy) и БлэкБоттом (BlackBottom). Стилистика  танцев начала века 20 века  встречается в балете «Золотой век»Д.Шостаковича,  в оперетте «Баядера»И.Кальмана и в других спектаклях..

Постепенно джазовый танец обретает театральные формы, что приводит к появлению нового стиля -бродвейского джаза. Термин бродвейский джаз происходит от названия театра, расположенного на одноименной улице Нью-Йорка. Бродвейский джаз встречается, прежде всего, в мюзиклах, а также его можно увидеть и в кинематографе, в различных шоу и драматических спектаклях.

 

Большое влияние на развитие бродвейского джаза оказывает хореограф и режиссер Боб Фосс. Его фильмы  «Кабаре», «Милая Чарити», «Весь этот Джаз» и др., а также танцы к ним,пользуются большим успехом и сегодня.Сюжет фильма-мюзикла«Милая Чарити» был создан на основе  фильма Ф.Феллини«Ночи Кабирии». Боб Фосс раскрываетхарактеры людей из высшего общества, которым не свойственен духовный мир - им близок мир вещей и материальных ценностей. Эта идея передается через очень точные танцевальные движения, которые раскрывают характеры персонажей.

 

В начале 20 века также сформировались стиль модерн и свободный танец. Первой танцовщицей, выступившей против строгих форм классического балета, была американка Айседора Дункан. Ее танцы отличались свободой, легкостью и имели элементы древнегреческих поз и жестов. Гордон Крэг, английский режиссер, писал о ней: «Что в ней было кроме этого, никому никогда не удастся определить. Она была предтечей. Что бы она ни делала, все делалось с огромной легкостью - так, по крайней мере, казалось. Именно это придавало ей видимость силы. Она выпустила танец в наш мир в твердой уверенности, что творит великое и истинное»

 

Свободный танец получил развитие также благодаря американской танцовщице Рут Сен Дени и ее мужу актеру и хореографу Теду Шону. Рут Сен Дени выступала в экзотических костюмах с роскошными декорациями, что делало ее концерты более зрелищными. Среди ее постановок  был балет "Радха" на музыку Л.Делиба (1906), в котором были  использованы мотивы индийского храмового танца. Вот как она высказывалась о танце: « Я вижу Танец, как способ общения души с душой, через выражение всего того, что очень глубоко, очень тонко для передачи словами». В 1915 Рут Сен Дени совместно  со своим мужем Тедом Шоном, организовали труппу «Денишоун» и школу танца в Лос-Анджелесе. В этой школе обучались многие ведущие представители фигуры танца модерн, в том числе Марта Грэхем, Дорис Хемфри и Чарльз Вейдман.

 

Отличительными особенностями танца и стиля  модерн является отказ от прямых, классических  линий и форм в пользу более естественных, «природных», а также интерес ко всему новому. Этот стиль был популярен не только в танцах, но и в живописи, скульптуре, архитектуре и даже в дизайне одежды и интерьере. Черты модерна можно встретить в творчестве Г. Климта, А.Мухи, Л.Бакста, А.Бенуа, М.Врубеля и др.  Художники модерна  черпали вдохновение из искусства Японии, Древнего Египтаи других древних цивилизаций.

20 век - время расцвета русского балета. Балет «русских сезонов» Дягилева  произвел настоящий фурор в Париже и во всем мире.Это был не просто балет, это было уникальное соединение хореографии, музыки, декораций и мастерства танцоров. В «русских сезонах» блистали Анна Павлова, Тамара Карсавина, Вацлав Нижинский, Серж Лифарь и др. В труппе «русских сезонов» происходит расцвет творчества хореографов Михаила Фокина, Леонида Мясина и др. Новаторские костюмы и декорации создавались художниками Бенуа,Бакстом, Серовым,  Пикассо, а музыку к балетам написали Игорь Стравинский, Эрик Сати, Сергей Прокофьев, Клод Дебюсси и др.

 

 

«Русские сезоны»                                Пикассо. Костюм к балету «Треуголка»

 

Коко Шанель  тоже сотрудничала с труппой Дягилева -  она создала костюмы для балета «Голубой экспресс». Это были классические спортивные костюмы, полосатые свитеры и гольфы, теннисные туники. Естественно, «русские сезоны» были олицетворением всего нового, модного и прогрессивного и поэтому французская публика сходила с ума от восторгов и потрясений.

 

 

Балет «Голубой экспресс» Портрет Дягилева (художник В.Серов)

Сотрудничал с Дягилевым и выдающийся хореограф 20 века Джордж Баланчин. Он поставил для  русских сезонов балеты «Аполлон Мусагет» на музыку Игоря Стравинского и «Блудный сын» на музыку Сергея Прокофьева. Оба балета прошли с успехом, но вскоре Джордж Баланчин оставляет «русские сезоны» и отправляется сначала в Лондон и Копенгаген, а позже в США.  Совместно с Л. Керстайном, известным деятелем искусства, Баланчин создает  американскую школу балета, а затем и профессиональный коллектив, сейчас всем известный под названием NewYorkCityBallet.Здесь он ставит свои знаменитые балеты -«Серенада» на музыку Чайковского, «Кончерто барокко» на музыку концерта для двух скрипок Баха, «Симфония до-мажор» на муз.симфонии Бизе, «Блестящее аллегро» на муз. 3-го концерта для фортепиано Чайковского, «Караколь» на муз. Моцарта, «Эпизоды» на муз. Веберна и др. Баланчин внес огромный вклад в развитие традиций классического танца в Америке. Его балеты– это соединение классической хореографии с  новой эстетикой поз,  рисунков танца и музыкальных акцентов. Баланчин создал новый танцевальный стиль, «неоклассику», который стал близок многим хореографам - Джерому Роббинсу, Алексею Ратманскому, БенжаминуМиллепиеду и др.

 

Баланчин и его труппа. Фото Дуана Мичелса

На развитиерусского (советского) балета в 20 веке оказал большое влияние хореограф и режиссер Ростислав Захаров. Балеты Захарова—это завершенные  драматические  произведения, грамотно выстроенные с точки зрения режиссуры. Особое внимание заслуживает балет «Бахчисарайский фонтан» на музыку Асафьева, в исполнении двух легендарных балерин - Галины Улановой и Майи Плисецкой. В балете противопоставляются властность и страстность Заремы (Плисецкая) с нежностью и духовной утонченностью Марии (Уланова). Характер двух противоположностей передается не только через актерское мастерство, но и через движения и позы, задуманные хореографом, а также через волнующую музыку Асафьева.

 

Балет «Бахчисарайский фонтан»

 

Галина Уланова и Майя Плисецкая

 

Огромный след в истории русского балета оставил великий хореограф Юрий Григорович. Его балеты «Ромео и Джульетта», «Спартак», «Легенда о Любви» и др. составляют золотую коллекцию спектаклей Большого театра. Для балетов Григоровича характерны сила духа, масштабность, героизм, что отражается в хореографии, декорациях и музыке.Григорович сотрудничал с театральным художником Симоном Вирсаладзе, который оформил все его балеты. Больше внимание Григорович уделяет музыке. В его балетах передается не только содержание сюжета, но и содержание музыки. Он тесно сотрудничал с композиторами С.Прокофьевым, А.Мелиховым, А.Хачатуряном, Д.Шостоковичем и др.В.Вансловотмечает  удивительное единство музыки, хореографии и художественного оформления  балетов Григоровича:  «В спектаклях Ю.Н. Григоровича достигнут необычайно органический синтез искусств. Трудно назвать другие сценические создания, где музыка, хореография, изобразительное искусство, балетмейстерское и исполнительское мастерство оказывались бы в столь удивительном слиянии, как будто все проистекает из единого источника и вылилось у одного творца, словно на едином дыхании. Углубление синтеза искусств  – пластических, сценических, любых других – это тоже одна из тенденций художественной культуры XX века».

В балетах  Григоровича блистали Екатерина Максимова и Владимир Васильев, Марис Лиепа, Наталья Бессмертнова и др.,  которые создали новые образы и новых героев в балете. Об этом  пишет В.Ванслов:  «В спектаклях Григоровича раскрылся и развился новый тип танцовщика-актера, умеющего воплощать глубокое драматическое и психологическое содержание в сложной танцевальной партии. Не техническая виртуозность вне образа и не образ вне танцевальной выразительности, а органический сплав актерского творчества с развитым и богатым танцем характеризует исполнительский стиль в балетах Григоровича».

 

Балет «Спартак»

 

 

Эскиз декораций к балету «Иван Грозный»

Масштабностью и глубиной хореографии отличаются балеты современного российского хореографа Бориса Эйфмана. Его балеты,созданные на основе произведений Толстого, Достоевского, Чехова и др.,  представляют собой настоящие произведения искусства. Балеты пронизаны глубокой философией, а  Эйфмана называют «хореографом-философом». Хореографические позы, придуманные Эйфманом, можно сравнивать с картинами и скульптурами великих художников, а пластика имеет свой неповторимый стиль, соединяя классическую танцевальную основу с современными направлениями. Технические способности танцовщиков поражают и восхищают ценителей балетного искусства. «Эйфман-педагог (и в этом его заслуга не меньше, чем хореографа) воспитал новый тип танцовщика-универсала, который умеет все. Танцовщики Эйфмана парят в воздухе, словно лишенные земного притяжения. Они не знают границ во владении своим телом. Им по плечу самые сложные акробатические трюки и самые немыслимые па. В танце участвуют не только руки и ноги, но все тело. Балерины Эйфмана бескостны и бесплотны: в дуэтах они обвиваются вокруг партнера, как лианы; лихо отплясывают чарльстон, как заправские танцовщицы кабаре; встают на пуанты, и, потупив очи долу, плывут по сцене так, будто кроме "Лебединого озера" ничего сроду не танцевали» - пишет Белла Езерская.

 

 

Балет «Красная Жизель». Хореограф Б.Эйфман, на фото Вера Арбузова (Фото:Нина Аловерт)

 

 

Балет «Анна Каренина»

 

Особое внимание Эйфман уделяет  кордебалету, о чем пишет Белла Езерская: «Эйфман создал редкий по синхронности, выразительности и отточенности каждого движения кордебалет. Массовки в его спектаклях приобретают то гротесковую заостренность как, например, в сцене демонстрации революционного плебса в «Красной Жизели», то скульптурную выразительность, как в "Реквиеме" Моцарта, то классическую завершенность, как в «Чайковском».Поражает финальная сцена балета «Анна Каренина», в которой артисты точно изобразили движение поезда, с помощью хореографии, а также изысканный и утонченный вкус хореографии, костюмов и декораций, присущий балетам Эйфмана.

Что касается западного балета, там, судьбу балетного искусства решали выдающиеся хореографы: Хосе Лимон, Джон Кранко, Ролан Пети, Морис Бежар, Иржи Килиан, Джон Ноймайер и др. Все они оставили свой уникальный след в истории, достучавшись до сердец зрителей через свои постановки и создав свой неповторимый и запоминающийся стиль танца, созданный на классической основе с добавлением современной хореографии.

Особое внимание,  хотелось бы уделить творчеству Иржи Килиана. В его хореографии присутствуют легкость, точность поз и рисунка и невероятная музыкальность. Как писал Рудольф Нуриев, «Есть Иржи Килиан, у которого, я сказал бы, самые „золотые“ уши. Он превращает метафоры в движения:Килиан слышит музыку и видит движения».Часто его произведения наполнены юмором, озорством и ловкостью движений. Это можно увидеть в его постановках «Шесть танцев», «Симфония в ре», «День рождения» и др. В этом есть большое преимущество хореографа, ведь юмор нужен и необходим человеку и искусству. Есть место в  творчестве  и детскому балету «Дитя и волшебство» и серьезному драматическому произведению «История Солдата» на сложную музыку Стравинского..

 

Балет «Дитя и волшебство»

 

«Шесть танцев»

Возникшие во второй половине 20 века концепции постмодернизма оказали большое влияние на танцевальное искусство. Главной и единственной ценностью искусства постмодерна, считается ничем не ограниченная свобода самовыражения художника, свобода мысли и творчества. Все это было свойственно и танцевальному искусству, вобравшему в себя основные принципы постмодернизма. Не имея ограничений и четких рамок, искусство постмодерна породило множество стилей и новых течений вискусстве. В танцах это контемпорари, контактная импровизация, хип-хоп танец, поп-дэнс, flylaw и др.

Контемпораридэнс связан с такими именами, как Роберт Данн,Анна Халприн, Симон Форти,  Дэвид Гордон, Триша Браун, Стив Пэкстон, ДебораХей, ЛюсиндаЧайлдс и МередитМонк и др. Началом постмодерна в танце следует считать деятельность Театра Церкви Джадсон (JudsonDanceTheater). Театр Церкви Джадсон объединял группу танцоров-экспериментаторов, выступавших в Нью-Йорке  в церкви Мемориала Джадсонав ГринвичВиллидж,в художественных галереях,  музеях,  начиная с 1962г.

Новые танцевальные эксперименты были основаны на принципах импровизации и современной хореографии; на них оказали большое влияние композитор Джон Кейдж и хореограф МерсКаннингем. Джон Кейдж увлекался дзен-буддизмом и отстаивал принцип случайности в творческом процессе.

Этот же принцип отстаивал и МерсКаннингем, считая, что при сочинении композиций это позволяет избавиться от сюжета и стереотипных решений(хотя, на наш взгляд, отсутствие сюжета в хореографии - это упущение).  Но в современном танце часто важен процесс создания танцев, а не результат.

Также, с театром Джадсон сотрудничал концептуальный  художник  Роберт Моррис: "Мы встречались с небольшой группой танцоров, живописцев, музыкантов, и поэтов по воскресеньям вечером и экспериментировали со звуком, светом, языком, и движением в мастерской. Это было моей первой причастностью с исследованиями, связанными с танцем. Когда я переехал в Нью-Йорк в 1961, эти занятия были все еще свежими в моем уме, поэтому открытое собрание Джадсона обратилось ко мне - хотя я не помню определенно, как и я стал сотрудничать с ними"(Р.Моррис).

 

Роберт Моррис, ЛусиндаЧайлдс, Стив Пакстон, Ивонна Райнер, Дебора Хай, Тони Холдер, Салли Гросс, Роберт Раушенберг, Юдифь Дунн и Йозеф Шлихтер.

 

Далее образовывались подобные группы, которые придерживались схожих принципов, такие как GrandUnion, LivingTheatre, Opentheatre и др. Эти объединения тоже отстаивали идеи случайности, и часто процесс создания танцев был более важным, чем результат. Одним из членов группы, был Стив Пэкстон, создатель стиля контактной импровизации, идея которой лежит на спонтанном соприкосновении тел людей.

 

Стив Пекстон

 

Что касается танца хип-хоп, то он возникает в афроамериканских неблагополучных кварталах Нью-Йорка в конце 60х. Изначально хип-хоп культура и танецориентировались на вечеринки и отдых (скретчированная музыка ямайскихдиджеев и речетатив), позже хип-хоп культура была  проникнута агрессивно-вызывающими текстами социального рэпа, отражающего суровую действительность (гангста-рэп 90х) и постепенно просочилась в массы, отправившись в шоу-бизнес. Танец хип-хоп, соответственно, делится на oldschool (старая школа хип-хопа) и newstyle (новая школа). К старой школе относится popping, locking, breakdance, а новая школа представляет более комерческий хип-хоп с добавлением разнообразных стилей хореографии--джаз-танец, контемпорари-дэнс, эстрадныйтанец и др.Для хип-хопа характерны свобода, ритмичность, обращенность движений в землю, а также расслабленность колен и качание корпуса, так называемый, «кач»Танец хип-хоп является очень популярным в наше время и его можно увидеть везде—в различных шоу, музыкальных клипах, перфомансах и т.д. Основанный на сложных трюках и акробатике, он является достаточно сложным в исполнении. Сейчас лучшими танцовщиками хип-хопа является танцевальный дуэт LesTwins, а также можно назвать французского танцовщика Дедсона и американского певца Криса Брауна.

 

 

Old-school hip-hop

 

 

Les Twins

 

Танцевальная культура 20 - начала 21 века чрезвычайно насыщена и разнообразна. Под влиянием новых музыкальных направлений и  новых тенденций в искусстве, танец и хореография обогащались новыми стилями и направлениями. На протяжении века менялось восприятие, видение и подход к танцу и хореографии. Продолжает жить, развиваться и классический танец, обогащаясь современными движениями, сохраняя классический стиль и основу, заложенную многовековой историей. И это правильно, так как идти в ногу со временем можно и нужно, не забывая о своем прошлом.